виды специальных школ

Причины, по которым Украина проиграет в военном противостоянии.

Наложение цвета в Photoshop

Перевод выполнен Егором Афониным.

Justin Gerard — иллюстратор, путешествующий по миру в поисках идеального места, с целью нарисовать его. К слову, он до сих пор его не нашел, но на своем пути повстречал много потрясающих людей, увидел много красивых мест и нарисовал множество картин.
Портфолио художника.

В недавнем посте меня спросили, буду ли я подробно рассказывать о том, как я накладываю цвета и делаю их насыщенными, когда работаю в диджитале. Сегодня я дам краткий обзор этого процесса.

Обратите внимание: эта статья ориентирована на людей, знакомых с Photoshop, но еще не разобравшихся, как наилучшим образом раскрашивать иллюстрации с его помощью. Гении фотошопа, уверен, уже в курсе всего нижеперечисленного (а цифровые ниндзя, йети, воины и Чаки Норрисы могут смело проходить мимо).

Специально для этой статьи я нарисовал монохромную акварельную работу, которую собираюсь раскрасить. Обычно я работаю с полноцветными акварелями, но в учебных целях решил остановиться на этом варианте (имейте в виду, что вы можете использовать все те же методы при обработке полноцветной работы!)

Итак, в первую очередь:

Раскрашивая рисунок или монохромную живописную работу в Photoshop, вы можете допустить одну из двух типичных ошибок:

Ошибка №1: Мертвенная колоризированность. Вспомните раскрашенные старые фотографии – нам этого не надо.

Ошибка №2: Дешевый пластик. Вообразите фиолетового волка, воющего на желтушную луну. Этого нам тоже не надо.

Суть первой ошибки – сохранение слишком большого количества информации от исходного изображения, суть второй – наоборот, слишком малого. Мы ищем золотой середины. К счастью, для этого есть специальная программа – Photoshop! Нужно лишь правильно использовать предлагаемые ею инструменты.

Начнем с основ.

Режимы слоев

Чтобы наложить цвет в Photoshop, я создаю новый слой и выбираю для него режим. На примере с Красной Шапочкой я залил красным цветом её капюшон. При изменении режима слоя видно, как разительно меняется результат.

Как видно, если мы используем режимы по одиночке, то получаем результат, схожий с раскрашенной фотографией, то есть совершаем Ошибку №1.

Нам поможет наложение нескольких слоев в различных режимах. Как насчет таких комбинаций

Обратите внимание, насколько естественнее в плане насыщенности стали выглядеть цвета. И вот почему: Собственный цвет поверхности обнаруживаются только в области между прямым светом и тенью.

По этой причине мы привыкли видеть «истинный» красный цвет лишь в ограниченной области. А предмет, окрашенный в один оттенок красного, кажется неправильным, каким-то плоским. Когда на объект падает прямой свет, красный цвет будет принимать оттенок света, а в теневой области на него повлияет цветной рефлекс от окружающей среды. Более того, по мере удаления объектов от зрителя цвет изменится из-за влияния воздушной перспективы.

Некоторые режимы слоев делают цвета более насыщенными, чем другие. Некоторые режимы дополнительно затемняют цвета, другие – высветляют.

Довольно, Джастин! Это все шляпа, потому что цвет можно накладывать в Normal!

Normal великолепен! Если вы новичок, работайте только с ним, пока не почувствуете, что понимаете механизм его работы. Normal довольно предсказуем и чрезвычайно универсален, если вы используете кисти с низким Flow и Opacity.

Однако если вы будете накладывать цифровые слои поверх уже окрашенной традиционным способом работы, то постепенно начнете закрашивать части оригинала, а окончательный эффект будет выглядеть пластиковым и неравномерным (привет, Ошибка №2). Чтобы использовать преимущества Photoshop на полную, вам придется использовать режимы наложения.

Photoshop предоставляет головокружительный выбор вариантов для покраса. Важно найти тот, который подойдет вам. На самом деле, правильных или неправильных решений не бывает. Есть лишь те, что дают вам перенести картинку из головы на экран наилучшим образом.

Я чаще всего использую Multiply, Color, Soft Light и Screen. При помощи этой четверки вы можете сделать практически все, а на выходе получить достойную картинку.

Режимы наложения из группы Multiply затемняют изображение и довольно скучно накладывают цвет. Они отлично подходят для того, чтобы постепенно набирать цвет, а также добавляют текстуру и тон изображению. Это очень похоже на работу с акварелью. Эти режимы хороши для создания теней и тонирования изображения.

Режимы наложения из группы Screen по сути противоположны предыдущим: они также медленно добавляют цвет, но высветляют его. C помощью них я добавляю прямое освещение поверх лежащих ниже темных слоев. Выбрав теплый желтый цвет, я могу постепенно создать приятный естественный эффект освещения на фигуре.

Режимы наложения из группы Soft Light - отморозки. У них нет хозяина, они не склоняются ни перед кем. Законы, которые ими управляют, наука еще не разгадала. Мне лишь известно, что если использовать яркий цвет на слое в режиме Soft Light или подобном ему, получится очень яркий и насыщенный цвет, который не затронет детали под ним. Так, я использовал ярко-зеленый цвет на слое в режиме Soft Light, чтобы выделить зеленые области на фоне остального изображения.

Режимы наложения из группы Color Dodge выжигают света. Использовать их стоит ОЧЕНЬ осторожно. Стоит переборщить - и вот вы уже поджигаете свечки на торте с помощью огнемета. Однако если использовать их экономно, они сделают ярко освещенные области, а также отблески на деталях интенсивнее. Я использую слои в Color Dodge, чтобы усилить блики, добавить контровой свет и отделить силуэты объектов от фона. А если чередовать эти слои со слоями в Multiply, можно неплохо расширить тоновой диапазон картины.

Режимы наложения из группы Color. Их нет на примерах, так как я использую их чрезвычайно редко. С помощью них я вытягиваю или, наоборот, ослабляю цвет в той или иной области. Эти режимы – классический способ для раскрашивания фотографий (думаю, вам и так все понятно, поэтому напоминать об Ошибке №1 я не буду). Злоупотреблять ими не стоит, однако в маленьких дозах они работают превосходно. Например, превосходно убивают цвет: если область слишком красная, я могу выбрать синий цвет, помазать им на слое Color, и он ослабит красный.

Режим Normal. При описанной методике работы без трюков с непрозрачностью не обойтись. На завершающем этапе работы, когда тоновой диапазон и цвета определены, я могу добавить деталей и прозрачных мазков, которые довольно легко смешиваются с остальной частью нашего изображения. Я использую Normal как режим наложения, зачастую устанавливая непрозрачность слоя менее 50%.

Подобная последовательность применения слоев помогает мне справиться с проблемами, которые возникают при работе с изображением. Художественный темперамент у каждого свой - пробуйте различные режимы в разных последовательностях и ищите, что лучше всего подходит для вас.

Как продолжать творить, когда нет мотивации

Перевод выполнен Натальей Ким.

John T. Valles II — иллюстратор и дизйнер персонажей для маркетинга и рекламы. 
Сайт автора.

…Потому что эта мотивация есть не всегда, не так ли?

Эта статья посвящается всем моим приятелям художникам, которые пытаются чего-то достичь, в то время как им приходится ежедневно ходить на работу, чтобы платить по счетам. Текст получился довольно длинный, но если вы хотите стать художником, задержитесь ненадолго, чтобы я мог помочь тем, чем могу. В конце этой статьи вы найдете практические шаги для составления плана, благодаря которому вы сможете работать, не думая о мотивации. Если вы готовы следовать этому плану и будете выполнять его ежедневно, то вам больше никогда не придется переживать об отсутствии мотивации (при обычных обстоятельствах, конечно).

Вы просыпаетесь, идете на работу, возвращаетесь домой, выполняете ежедневную рутину, а в конце дня ложитесь спать. И вас поражает мысль:

Иногда эта пластинка играет у вас в голове день за днем. И я вас понимаю, ведь создание чего-либо требует постоянной борьбы! Это трудная задача - перенести идеи из эфира на бумагу, в Photoshop или ZBrush! И вот вы поглядываете на своих творческих героев: Loish, Marc Brunet, Anthony Jones, Ross Tran, Sycra, на множество других художников, популярных или нишевых. Они создают что-то каждый день. Они создают потрясающие вещи каждый день.

Теперь вы чувствуете это, не так ли? Вы чувствуете вес всех этих дней, которые вы провели, не работая над достижением своей мечты. Я тоже чувствую это давление. Я также как и вы изо всех сил борюсь, чтобы почувствовать этот благословенный прилив мотивации.

К примеру, я на самом деле уже не ощущал мотивацию примерно с середины июля. Но я по-прежнему продолжаю с понедельника по субботу ежедневно выкладывать посты. Вы вообще задавались вопросом, как я это делаю? Есть несколько самых главных вещей, которые стоит учитывать в моем случае:

Обязанность

Страсть
Виденье (Мечта)

Как для творческого предпринимателя, ваша страсть и виденье являются жизненно важными компонентами для успешной, полноценной карьеры. Возможно, вы уже знаете, какая у вас страсть, а виденье — это предмет обсуждения, который требует отдельной статьи. Часть молодых художников и творческих людей испытывают большие трудности с привычкой и целеустремленностью. А они жизненно необходимы, если вы хотите достигнуть успеха в карьере.

Чтобы творить без мотивации, вы должны использовать силу привычки и целеустремленность.

Нам, творческим людям, страшно слышать подобное, не так ли? Эта мысль никак не резонировала со мной до тех пор, пока я больше не мог ее отрицать. После переезда через всю страну в феврале 2017 года, я потерял желание заниматься искусством более чем на полгода. У меня не было энергии или вдохновения. Я впал в депрессию.

А потом в сентябре Sean McCabe выпустил Overlap и я послушал бесплатную аудио-версию этой книги, которую он раздавал, чтобы отпраздновать. Эта книга изменила мой взгляд на собственную карьеру в искусстве. (Кстати, вы можете пройти по этой ссылке и читать книгу бесплатно. Это чтение для художников, желающих проложить себе путь в жизни, которое полностью меняет правила игры, и я говорю это строго как читатель. Sean не платит мне за то, чтобы я нахваливал его книгу.

Я понял, что должен начать с обязанности, а затем выработать привычку.

Так что, начните прямо сейчас, примите решение работать над достижением своей мечты каждый день. Нет, я не говорю «ежедневно создавайте новую Мону Лизу». Я лишь говорю сделайте что-нибудь, что каждый день помогало бы вам строить карьеру. Отныне это ваша новая цель: «Я буду работать над достижением своей мечты каждый день». Теперь пришло время выстроить рабочую систему по достижению этой мечты.

Разработайте план для творчества без мотивации:

Задайте себе эти вопросы:

«Над чем я буду работать?»

«Где я буду работать над своей мечтой?»

«Когда я буду работать над своей мечтой?»

«Откуда я возьму нужную энергию?»

«Над чем я буду работать?» — Соберите список идей.

Этот список вы можете составлять где угодно и когда угодно. У вас есть телефон, используйте приложение для заметок или носите с собой блокнот. Делайте все, что не даст вам упустить приходящие на ум идеи. У вас должно быть «хранилище идей».

Если вы испытываете трудности с придумыванием, помните, что этот список будет вашей страховкой на случай возникновения творческого блока, когда вы сядете за рисование. Вы больше никогда не начнете рисовать без четкого понимания того, чего вы хотите достичь, начиная работу.

«Где я буду работать над своей мечтой?»

Найдите место у себя дома и организуйте его под свое творчество. Не имеет значения, насколько оно мало. Вам не нужен целый офис. Вам нужна подходящая комната для вашего творчества и хранения материалов. Сделайте это место тем, куда вы будете возвращаться и работать каждый день. Точно так же, как с помощью рычага вы можете включиться в работу, вы должны подготовить и защитить место, где вы сможете переключаться на занятие искусством. Если вы живете в семье, где лишнее пространство ограничено, вам нужно все обсудить, чтобы выделить время для работы, когда члены вашей семьи будут оставлять комнату только в вашем распоряжении. В нормальной ситуации, они будут счастливы посодействовать изменениям в вашей жизни и предоставить вам комнату для занятия любимым делом. Это приводит нас к следующему важному вопросу:

«Когда я буду работать над своей мечтой?»

Проверьте свои обязанности и подберите подходящее время на каждый день, когда вы сможете заниматься творчеством.

У всех нас есть обязанности, которые необходимо выполнять изо дня в день, а есть такие, среди который мы можем выбирать. Если у вас есть работа или вы учитесь, поймите, что это основное вложение времени, и что вам нужно найти способ, чтобы все совмещать. Если у вас есть семья, вам нужно договориться с ними о времени, когда вы будете заниматься рисованием.

В какой бы ситуации вы не находились, попробуйте каждый день выделить минимум час, который вы проведете, сосредотачиваясь только на искусстве. Установите таймер, расположитесь в месте, которое вы организовали для работы, выключите звук на телефоне и поставьте режим «Не беспокоить», а затем начните работать над одной из отобранных вами идей.

Вы находите время для видеоигр, встреч с друзьями, сериалов и других важных для вас вещей. В них нет ничего плохого. Но вы должны решить для себя, важнее ли они чем творчество, и сказать «нет» тому, что больше не должно отнимать ваше время. Но…

«Откуда я возьму энергию?»

Энергия не бесконечна. Вы должны тратить ее с умом и в первую очередь на самые важные вещи.

Если вам нужно ходить на работу или на учебу, то вероятно, что вы тратите около 8 часов энергии на выполнение обязанностей. У некоторых людей все еще остается энергия после всей этой толкотни и суматохи дня, чтобы взяться за важные для них дела. Но так получается не у всех. Есть простое решение, но оно не самое легкое. Если у вас не остается сил после выполнения ежедневных обязательств, начните вставать раньше и уделять время и энергию для творчества до того, как их нужно будет потратить на что-то другое.

Ведь вам небезразлично это! И я хочу, чтобы вы преуспели в своем деле. Если вам что-то важно, то естественно дать этому приоритет в самом начале дня, чтобы ничего другого не могло отнять необходимую вам энергию.

И что теперь?

У вас есть план. У вас есть рабочее место. У вас есть идеи. У вас выделено время, когда вы будете садиться и заниматься. И у вас есть начальное представление о том, как управлять собственной энергией. Начните следовать этому плану сегодня. Начните с определения успеха как чего-то настолько простого, что у вас просто не останется другого выбора, кроме как достичь его.

Поставьте себе примерно такую цель:

«Сегодня в 7 часов вечера я сяду за свой стол и буду рисовать в течение часа.»

И просто сделайте это сегодня. Так как у вас собрано множество идей, вы будете чувствовать себя глупо, если сядете рисовать в отведенное время и у вас ничего не получится. Нет, вы будете рисовать легко и вы создадите что-нибудь сегодня. А потом вы завершите свой день, ляжете в кровать и проснетесь на следующее утро. И все повторите. Не отвлекаясь, повторяйте этот акт часового рисования каждый день до тех пор, пока он не станет чем-то таким же привычным, как чистка зубов.

Перспективное сокращение в рисунке: важные советы

Сегодня поговорим о ещё одной распространённой проблеме - перспективное сокращение. С ходу так не понятно о чём речь, ну да далее по тексту всё встанет на свои места)
_______________________________________________________
Статья подготовлена специально для Digital Painting Classes и Smirnov School, хуй знает кем.

Перспективное сокращение в рисунке - сложная техника. С ней мучаются все художники еще со времен первого ее использования флорентийским художником Филиппо Брунелеши в 1415 году, так что вы не одни такие. Давайте разберемся, что это такое и как применять ее на практике.

Если вам сложно передавать глубину, то скорее всего у вас проблемы с перспективным сокращением. Оно позволяет реалистично передавать объем в плоской среде, отображая объекты, удаляющиеся от зрителя. Способность правильно рисовать такие объекты придает рисунку реалистичности и привлекает зрителя.

Большинство художников впервые сталкиваются с перспективным сокращением на уроках рисования с натуры. Мы поступим так же: нарисуем модель в ракурсе с сильным перспективным сокращением. Помните — эти же техники можно применять, рисуя любой объект.

1. Распланируйте расположение фигуры на холсте

Первое, что вам стоит сделать - это обозначить границы на выбранной поверхности (т.е. бумаге или холсте). Легкими касаниями карандаша набросать ногу в нижней части страницы, а потом… обнаружить, что голова заканчивается куда выше границы листа.

Начинающие художники часто пытаются исправить эту оплошность, просто впихивая всю фигуру на страницу, что полностью убивает реалистичность рисунка. Допустили такую ошибку? Лучше начните сначала.

2. Добавьте направляющие

Попробуйте сначала вписать фигуру в прямоугольник/квадрат и сделайте набросок карандашом без нажима, чтобы позже рисунок можно было исправить или стереть. Для точности, пользуйтесь техникой измерения.

Затем нарисуйте вертикальную линию, которая станет маркером для проверки правильности композиции. Совсем не обязательно, чтобы это была центральная линия вашей композиции (дальше все станет понятнее).

3. Забудьте все, что знаете

Забудьте все ваши представления о том, как должен выглядеть человек. Наблюдайте и рисуйте то, что видите, а не то, что вы думаете вы видите. Звучит просто, но это главный камень преткновения для каждого художника, который старается разобраться с перспективным сокращением.

Измеряйте, измеряйте и снова измеряйте, и доверяйте своим измерениям. В правильном перспективном сокращении человеческая форма не вписывается в наши представления.

4. Разбивайте фигуру на крупные формы

Начните с рисования крупных форм и игнорируйте детали. Используйте вертикаль для измерения, так вы увидите, как основные анатомические структуры взаимодействуют друг с другом.

Измерение абсолютных величин должно помочь. Найдите середину, четверть и так далее. Найдите середину вертикальной линии и посмотрите, где она окажется по отношению к телу модели - это место может оказаться совсем не там, где вы думали. Проводите линии тонко и легко, чтобы их можно было исправить, и продолжайте измерять.

5. Соедините все вместе

Нарисовали основные анатомические массы? Пришло время соединить все части друг с другом. Сейчас жизненно важно воспринимать фигуру модели как трехмерную скульптуру.

Вы должны увидеть и главное, нарисовать то, как формы накладываются друг на друга, плоть на плоть. Ноги перед икрами, икры перед бедрами, бедра перед ягодицами и т.д. Дайте своему карандашу свободу.

Эти техники помогут оживить ваши рисунки. Поэкспериментируйте с ними и посмотрите, что получится. Пока у вас есть нормальный набросок, поверх которого можно рисовать, сильно вы не ошибетесь. Если вдруг окажется, что рисунок получается неправильным, вернитесь к базовым крупным формам и убедитесь, что нарисовали их правильно.

Какую бы технику вы ни выбрали, хорошее понимание человеческой анатомии сильно поможет. Для начала предлагаем посмотреть наш урок по анатомии.. Также советуем крутые книги Anatomy for the Artist Сары Симблет или Gray’s Anatomy. Чем лучше вы поймете, как устроено человеческое тело, тем легче вам будет разобраться в перспективном сокращении.

1. Геометрический подход

Разбиение тела на простые геометрические фигуры может быть очень полезно. Представьте конечности в виде сужающихся цилиндров, а туловище — как набор кубов. Попробуйте вообразить, как эти фигуры соединяются друг с другом. Как только вы разместите эти фигуры правильно и в нужных пропорциях, вам останется только убрать углы, чтобы проявить под ними форму тела.

2. Техника пружины или спирали

Техника пружины (или спирали) нужна для построении объема при помощи эллипсов или спиралей, которые повторяют контуры фигуры. При этом лучше всего нажимать на карандаш очень легко, иначе рисунок может стать грязным и вы замучаетесь его стирать.

При отрисовке вертикальных или горизонтальных форм эллипсы будут казаться плоскими или выглядеть как обычные линии. Когда форма удаляется от вас или наоборот, раскрывается вам навстречу, спирали расширятся, превращаясь в эллипсы и окружности, сплющиваясь там, где форма меняет направление. Для понимания расположения фигуры эта техника отлично подходит.

Курсы рисования от всяких личностей

Специально для Школы Арт-клуба
___________________________________________________

Ветрова периодически проходиться по различным косячным курсам с рекламой в вк. Но там в основном масштабы, да и вообще как-то прилично по сравнению с тем что попалось сегодня мне.

Скромный баннерок висел в уголке уж очень долго, иногда меняя картинку, пока всё ж таки не завлёк меня вот этим.

«Бежим! Там раскрываю тайны!» — подумал я и отправился на сайт дабы узнать что же там за крутаны тайны раскрывают.

Я вам даже ссылку дам, ибо адрес это отдельная плюшка — https://vebinar.davletgaraev.online

Приходим и ищем преподавателей. Находим. Удивляемся и начинаем гуглить — Да кто ты, блядь, такой-то?

Так и что же нам покажет поиск?

Ссылки на различные сервисы где Азат выступает в качестве Репетитора по рисованию. А так же YouTube канал с, добавленным 3 недели назад, единственным видео «Заточка карандаша».

«Но, позвольте же! — подумал я, — Где работы-то преподавателя посмотреть?»

А, их мне удалось обнаружить лишь в профиле Яндекс.Услуги. К слову, работы вполне себе такие, я ожидал худшего.

Но я бы не взялся за написание ентой заметочки, ежели бы не вишенка!

Я решил, ну вдруг, я такой остолоп и человек разместил свою галерею на основном домене, ведь он именной — https://davletgaraev.online. А я, такой растакой, поиски тут устроил по интернету.

Основной вид деятельности Азата, это…

BONUS

В чат скинули еще такую вот рекламку, я там тоже быстренько пробежался и там тоже всё как-то странно)

Тут всё прям очь серьёзно — несколько лэндингов (прям очень много даже), 2 группки в вк с 15к и 6к подписоты, инста и ютуб. Всё прям как надо. И преподаватель, вооот с таким образованием, да и вообще всё официально — ООО, вся хуйня.

Только вот опять проблема — где работы этого замечательного преподавателя?

Идем искать. И сначала натыкаемся на новость о том что человек книжку написал. Да не просто книжку, а «Портреты карандашом. Техники достижения фотореализма».

Отзывы правда не очень, ну да ладно, эт хейтеры виноваты, видимо.

И ни на одном лэндинге работ преподавателя и основателя студии, почему-то нет. Только работы учеников.

Короче, внятных работ его так и не удалось найти. А то что я увидел на ютубе оказалось, к сожалению, слишком старым. Как итог — человек никогда не строит и является биологическим принтером, то есть тупо копирует.

ИТОГ

Всегда смотрите информацию о преподавателе и обязательно его работы. Сейчас, ну не то что бы вот только сейчас, а уже долгое время, как в сети появились предприниматели открывающие курсы, школы и прочие вебинары по различным направлениям, без особых знаний по этим самым направлениям. И ладно когда вам в голову нальют воды на тему маркетинга в сети (ох всё не соберусь накалякать на енту тему — материала набралось уже пачка), не столь критично, со временем и желанием во всём можно разобраться. Но вот когда вам будут втирать дичь по рисовательству, да еще это и войдет в привычку, тада всё — пиши пропало.

Но бывает и так, как вот с Азатом — калымчик у человека такой. Тем не менее, стоит ли идти к нему на курсы? Не думаю, честно говоря.

Тон как инструмент работы с композицией

И вновь хочется вернуться к тону, к разбивке по тонам и вопросу зачем же переводить порою работу в чб. Самая распространенная проблема у начинающих, конечно же, после анатомии и перспективы))

_________________________________________________________
Материал подготовила Сефери специально для Digital Painting Classes и Smirnov School.

Что такое тон и почему он важнее цвета? Как проверять тоновую композицию и как «прокачать» понимание тона? Отвечаем на эти и другие вопросы, советуем упражнения.

Что такое тон

Тон определяет, насколько предмет тёмный или светлый. У каждого объекта есть собственный (локальный) тон, он меняется под влиянием освещения. Тон для восприятия работы гораздо важнее цвета.

На эти головы наложили один и тот же цвет. Разницу в восприятии обеспечил тон (соотношение светлый/тёмный), а не цвета

Как свет влияет на тон

Собственный тон предмета мы можем наблюдать только при нейтральном рассеянном свете. В остальных случаях предмет кажется нам светлее или темнее, чем он есть на самом деле. Этот факт хорошо известен не только художникам, но и фотографам.

Поэтому важно помнить, что тон объекта неразрывно связан с окружающей средой. Чёрная кошка, расположившаяся под лучами яркого солнца, может выглядеть светлее, чем лист бумаги, оставленный в полной темноте.

Как можно использовать тон

Тон определяет то, насколько читается комозиция, отделяет объекты друг от друга, и вместе с освещением влияет на настроение работы. Чтобы обеспечить хорошую читаемость, Эндрю Лумис в книге «Искусство иллюстрации» предлагает использовать несколько тоновых схем. В них входит всего четыре тона:

-чёрный, белый и тёмно-серый на светло-сером;

-чёрный, белый и светло-серый на тёмно-сером;

-серые и белые тона на чёрном.

Основные тональные схемы из книги “Искусство иллюстрации” Эндрю Лумис Чем проще (тоновая) композиция, тем лучше выйдет картина.
Эндрю Лумис

Стоит ли ограничивать количество тонов

Этой практики придерживаются многие известные художники. Композиции Майка Миньолы строятся на использовании двух противоположных тоновых значений — чёрного и белого.

Здесь группировка по тону основана на разграничении света и тени: теневая часть залита сплошным чёрным цветом, а свет остается белым Майк Миньола 

 

Не нравятся заливки? Можно разбивать тон на простые группы, которые при отдалении от работы будут читаться как единые пятна. Картина Густава Доре разбита на несколько планов, которые читаются благодаря группировке основных масс по тону.

Как с помощью тона влиять на настроение работы

Как уже понятно, тон напрямую связан с освещением, поэтому продумывать количество света в работе очень важно. Это ещё одно направление, которое одинаково важно для фотографов, киношников и художников (особенно иллюстраторов).

Обратимся к лекции Катерины Горелко. Чаще всего в кино, живописи и геймдеве используют полный спектр тонов. За основу берут летний день, в кадре сохраняют как светлые, так и тёмные акценты.

Пример из кино

Пример из живописи 

 

Упомянутое на слайде правило 70/30 говорит о выразительном соотношении. Его можно применить не только к оттенкам серого, но и к форме, линии или цветам. В этой работе Lori Putnam больше 70% выполнены в светлом тоновом диапазоне, и до 30% — в тёмном.

Lori Putnam

Вернёмся к ключам. Высокий тоновой ключ используют, чтобы передать светлые эмоции, сны или воспоминания или подчеркнуть характер персонажа — нежный и непорочный. Для этого ключа почти не нужны тёмно-серые и чёрные значения.

Высокий ключ 

 

Низкий тоновой ключ используют, чтобы показать страх, мистику или заговор (например, персонаж замышляет что-то недоброе у себя в кабинете). Его часто можно встретить в ужастиках. Светлые тона здесь встречаются по-минимуму и чаще всего выполняют роль акцентов.

Низкий ключ 

 
Как использовать тон, работая над цветной иллюстрацией

Есть два основных варианта.

-Начать рисовать с двух цветов — чёрного и белого.

-Периодически переводить картинку в оттенки серого в процессе работы, чтобы проверить, все ли в порядке с тоном. Этот приём очень рекомендуют известные художники и преподаватели Сэм Нильсен (Sam Nielson), Сэмюэл Михлэп (Samual Michlap), Марко Буччи (Marco Bucci) и многие, многие другие (включая преподавателей Smirnov School).

Если стартуем с чёрного и белого

Начните с двух тонов, как Майк Миньола. Разбейте работу на свет и тень, далее постепенно добавляйте средние тона.

Помните: вы всегда можете отредактировать яркость тоновых значений, поменять тоновой ключ на более низкий или высокий и потом уже добавить цвет. Для этого воспользуйтесь панелью «уровни» или режимом коррекции «цветовой тон/насыщенность».

Пример такого пайплайна от Сэмюэля Михлэпа. Он начал с зарисовки снизу слева, потом постепенно добавлял в работу тоновые соотношения и лишь потом перешёл к цвету

Концепт-художник Игорь Артеменко ака Haryarti (The Banner Saga, Riot Games) работает по похожему пайплайну.

Сортировка по пятнам

Сразу разбейте вашу работу по пятнам. Для каждого плана задайте свой тон, как это делал Густав Доре. Помните про правило «светлое на тёмном, темное на светлом», самая важная часть вашей работы должна сильнее всего контрастировать с окружением: белое на чёрном привлекает внимание сильнее, чем светло-серое на тёмно-сером.

Внутри заданных тоновых пятен не должно быть сильных контрастов в деталях: отдельные незначительные элементы не должны вырываться на передний план, иначе вы потеряете целостность композиции. Убедившись, что тоновая композиция читается, переходите к покраске.

Примеры черно-белых композиций от Tyler Edlin 

 

Перевод в ч/б для самопроверки

Возникли проблемы на этапе покраски? Отслеживать тоновые соотношения в цвете бывает не просто. Поэтому во время работы лучше переключаться в ч/б, чтобы проверить себя.

Как это сделать в Adobe Photoshop

Рисуете в Procreate? В iOS есть настройка, которая позволяет переводить планшет или телефон в ч/б, трижды нажав на кнопку Home.

Чтобы активировать возможность перехода в чёрно-белый режим, зайдите в «Настройки — Основные — Универсальный доступ — Быстрые команды» и поставьте галочку на пункте «Светофильтры» (для новых версий iOS). В более старых версиях системы путь может отличаться, но эту функцию всегда стоит искать именно в «Универсальном доступе».

Помните, что такой способ перехода в ч/б режим меняет только отображение цветности на вашем экране, но для самой системы все остается цветным. Поэтому если вы возьмете пипеткой какой-то оттенок серого и начнете рисовать, а потом отключите ч/б режим, окажется, что вы рисовали именно цветом.

Проверка с помощью ч/б, экстремальный вариант

Иногда недостаточно просто перевести работу в оттенки серого, чтобы заметить проблему — особенно если глаз сильно замылился.

Можно попробовать выкрутить контраст на полную, чтобы довести оттенки до двух тонов — чёрного и белого. Тогда наверх выйдет базовая тоновая композиция, как в «стадиках» сверху. Для этого переведите изображение в оттенки серого, а потом с помощью «Levels» (Уровни) поменяйте детализацию так, чтобы тоновые соотношения сократились до двух-трех положений. Этим приёмом пользуется Сэм Нильсен, когда проверяет работы учеников.

Возьмем для примера работу самого Сэма.

Работа Сэма Нильсона

 

Переводим её в оттенки серого и двигаем уровни. В центре внимания по-прежнему остается носорог. При неудачной комбинации тонов на этом этапе он бы уже слился с фоном и стал нечитаемым — и вы бы нашли ошибку.

Упражнение по изучению тона

Анализируйте работы других художников, кадры из фильмов и мультфильмов. Делайте копии выбранных изображений, используя ограниченную тоновую палитру: 2, 3 или 4 тона. На этом упражнении тренируются и новички, и профи.

В рамках челленджа #100daychallenge Павел Латковски создает быстрые композиции с ограниченным тоновым диапазоном каждый день, в течение нескольких месяцев.

Уже упомянутый Игорь Артеменко ака Haryarti старается делать такие «стадики» каждый день.

Как приступить к задаче

Не пользуйтесь мягкими кистями и смешиванием. Чтобы разбить работу на четкие плоские пятна, используйте лассо. У вас должны получиться жёсткие, чёткие и выразительные силуэты. Лассо поможет вам легче контролировать края формы.

Justin Pichetrungsi изучает тоновой контраст в сцене 

 

Каждую копию старайтесь выполнять быстро, не зацикливаясь на деталях. Сосредоточьтесь на изображении в целом. Если вам сложно сгруппировать работу по тону, попробуйте прищурить глаза и поискать большие тоновые группы, которые выделяются на фоне окружения.

John Petersen выполняет аналогичное упражнение

Ежедневные «стадики» на тон очень рекомендуют выполнять Крейг Маллинз (один из пионеров CG и самых известных цифровых художников в мире), Нэйтан Фоукс (работал с Disney, Paramount Animation, Blizzard Entertainment, Riot Games и др) и многие другие.

Вдумчивый анализ работ других авторов учит создавать собственные визуально интересные композиции.Нэйтан Фоукс, художникНемного полезных материалов по теме.

Как научиться передавать объем. Художник Сяо ака K-ART

Оригинальная статья:

https://weibo.com/p/1005051801643403/photos?from=page_100505

Перевод с китайского: Артём Товбаз

Тема урока: Объем

В реализме большую роль играет передача трехмерного пространства. Художникам, которые хотят перейти от плоского стиля к реализму, сначала стоит освоить технику построения объема. Трехмерность передается через освещение. Объем хорошо прослеживается на ярко освещенном объекте, поэтому специально для нашего упражнения я подобрал соответствующие примеры.

Часто для упражнений мы выбираем гипсовую статую из-за белоснежного качества ее материала. Падающий свет создает отчетливую светотень, что очень удобно для практики. Таким образом, на что стоит обращать внимание при выборе примеров?

Из двух ниже представленных примеров в первом – слабое рассеянное освещение, так как источник света находится далеко, поэтому тени получаются мягкими. На объекте видны слабые собственные и падающие тени. Во втором примере – яркий ближний свет, создающий резкие тени. На объекте видны отчетливые собственные и падающие тени.

Каждый пример светотени выглядит интересно, но между ними есть разница в восприятии. Начинающим художникам сложнее понять форму и очертания краев в примере со слабым освещением – очень много нечетких границ, плохо видны детали, что создает дополнительные трудности в процессе рисования. Подобный пример требует хорошего понимания формы и структуры, иначе при неправильной работе получится некрасивая каша.

Начинающим художникам лучше всего работать с резким освещением, где хорошо читается контраст, форма объекта, отчетливо видны границы теней, светотень имеет уровневое разделение. В таком примере проще всего разбираться, и с ним гораздо успешней получится рисунок.

слева: дальнее освещение, справа: ближнее освещение

Послесловие

В будущем все будут работать, а работа должна быть эффективной. Научившись работать с резкими тенями, возрастет эффективность Вашей работы, и Вы сможете быстрее добиваться результата.

Сначала мы наносим общую форму, светотень, затем – градиент, и работу можно считать законченной.

Профессия требует быстроты, ясности в работе, картинка должна привлекать внимание зрителя своим контрастом, содержать в себе мысль.

Данное упражнение требует тщательного освоения. Многие начинающие художники переживают, что работать приходится долго. Имея слабую базу, многие уделяют слишком большое внимания градиенту, много работают мягкой кистью, теряют форму в работе. Когда Вы освоите принцип построения светотени, возрастет и скорость Вашей работы.

Ниже я объясняю, как быстро создать объем на примере гипсовой статуи. В процессе мы будем обращать внимание на все те же аспекты.

Изобразите линейную форму с помощью прямых штрихов вместо округлых линий. Используйте жирные линии для очертания, тонкие – для внутренней части.

Обратите внимание, набросок уже воспринимается трехмерно, так как я обозначил границы собственных и падающих теней.

Выделите рисунок по краям с помощью инструментов выделения и заполните одним тоном. Также можно закрасить область с помощью кисти.

Источник света находится напротив. Исходя из его расположения, я нанес собственные и падающие тени более темным оттенком. Выбирайте неяркий оттенок, иначе усложните работу с тенями.

На этом этапе мы наносим сплошные мазки – без градиента. После нанесения теней объем становится заметней.

Скройте линии. Обратите внимание на блочную структуру. Так выглядит способ рисования без линий.

Перед нами ключевой этап. Усильте оттенок в местах, где должны быть падающие тени, после этого оставшаяся часть станет выглядеть как рефлекс. В работе начнет читаться структура теней.

На этом этапе нам нужно выделить падающую тень, которая является частью общей тени и имеет более глубокий оттенок. Другими словами, яркость падающей тени выше. Когда тень однородная, то объем хуже читается, как на предыдущем этапе, к примеру. Выделив падающую тень, мы “оживим” наш объект, придадим более реалистичный вид.

На этом этапе я добавил самые светлые и темные участки.

Учитывая, что собственная тень играет большую роль для передачи объема, необходимо также создать переходы между темной и освещенной поверхностью. Тогда будет смотреться более естественно, и контраст станет лучше.

На этом этапе мы почти закончили работу над объемом, улучшив структуру светотени. Сравнив с предыдущим этапом, можно заметить, насколько лучше стал эффект трехмерности. В целом, можно считать, что готово.

Выделите самые темные участки. Как правило, это места, куда не проникает свет: носовая полость, уголки глаз, участок шеи возле волос, и т.д.

Обратите внимание, самый сильный контраст – между выступающей и верхней частью, самый слабый – между нижней и задней.

Согласно этому принципу, усильте контраст в последовательности: выступающий подбородок, нос, глаза, расположенные сзади волосы, шея. К примеру, заметно выступает подбородок. Покажите яркий контраст между темной и освещенной частями. Для этого достаточно усилить собственную тень. Затем контраст начинает уменьшаться в районе шеи и волос.

На этом этапе мы занимаемся проработкой, но не деталей, а объема. В этом уроке важнее понять не то, как показывать детали, а как передавать трехмерность объекта, и научиться выделять отдельные плоскости, поэтому меньше работайте мягкой кистью, и больше разделяйте объект на плоскости.

Подведем итог.

Каждый раз, когда Вы будете приступать к нанесению светотени, необходимо наработать привычку сначала обозначать общую тень и падающие тени. Если Вы уже думаете и работаете в таком направлении, считайте, освоили базу.

Важно отметить, что в этом руководстве мы учимся разбивать объект на плоскости, поэтому не стоит в процессе углубляться в детали. Обязательно, когда необходимо, изучайте примеры, смотрите на общую картину, основную структуру, мыслите блоками. Надеюсь, Вы со мной согласны.

Большую роль играет практика. Поставьте цель выполнить упражнение 30 раз. Добейтесь того, что Вы сможете делать одну работу в день, уложившись в 1-2 часа.

С опытом Вы непременно добьетесь успеха!

Напоследок я приготовил для Вас пару примеров с интересной светотенью. Можете их сравнить и срисовать. Давайте вместе расти профессионально. Желаю Вам творческих успехов!

_________________________________________________________________________

А теперь для самых внимательных!

Очень скоро мы запустим конкурс. Несмотря на то что он будет базироваться на тэге Арт-клуба конкурсАрт (подпишись что бы ничего не пропустить) к участию допускаются все желающие. Конкурс продлиться месяц и будет иметь в качестве приза небольшое (ну хоть так), но тем не менее, денежно выраженное вознаграждение. Следите за постами))

Специализации цифровых художников

Существует множество направлений, в которых может развиваться цифровой художник. Некоторые из них нам знакомы и привычны, некоторые более экзотичны и менее востребованы на российском рынке труда, однако в этой статье мы рассмотрим разные специализации художников, поговорим о навыках, которые пригодятся чтобы стать успешным в той или иной области. Статья, в первую очередь, будет полезна тем, кто еще не нашел сферу, в которой он бы хотел развиваться, и тем, кто хотел бы попробовать свои силы в новом направлении.

О концепт-арте слышал практически каждый художник, но не лишним будет сказать о нем еще раз в контексте этой статьи. Концепт-арт создается на этапе пре-продакшена, то есть на начальных этапах проекта (игры, фильма, мультфильма, комикса) для того, чтобы запечатлеть первоначальную идею, найти нужный визуальный образ и использовать его в финальном продукте. Часто перед тем как прийти к окончательному результату приходится придумывать множество вариантов, большая часть которых не идет в производство и в лучшем случае появляется только на страницах артбука. Для концепт-арта важно умение находить оригинальный дизайн и быстро генерировать новые идеи.

В концепт-арте также есть свои подразделения:

Концепт-арт персонажей — здесь пригодятся не только знания анатомии, но и умение создавать такой дизайн, который рассказывал бы о личности персонажа, его характере и его прошлом, поэтому прежде чем браться за рисование красивой картинки, нужно продумать историю и постараться передать ее через соответствующие детали внешности.

Концепты персонажей для The Last of US

Еще бывают художники по костюмам. Как правило, такие художники востребованы в кино-индустрии, и им необходимо создавать визуальный образ под конкретного человека, актера, который будет играть персонажа в фильме. Дизайн костюма должен быть функциональным, таким, чтобы его можно было воссоздать в реальном мире и надеть на актера.

Концепт костюма к фильму «Доктор Стрэндж» Karla Ortiz

Концепт-арт существ — некоторые художники специализируются на создании несуществующих животных. Как правило, для того, чтобы делать необычных и прежде невиданных существ, нужно хорошо разбираться в том, как устроены настоящие звери, поэтому, если вы хотите развиваться в этом направлении, вам придется разобраться в анатомии млекопитающих, птиц, рыб, рептилий, насекомых и других созданий.

Концепты существ к фильму «Фантастические твари и где они обитают»

Концепт-арт окружения — для этого направления концепт-арта необходимо хорошее знание перспективы и понимание того, как работают свет и цвет в окружении, не лишними будут познания в архитектуре. Дизайнеру окружения необходимо создавать правдоподобные пейзажи, экстерьеры, интерьеры, которые бы рассказывали свою собственную историю и задавали нужную атмосферу для игрового уровня или момента в фильме, мультфильме, комиксе.

Концепт-арт пропсов (предметов) — это могут быть как отдельные части окружения (мебель, растения), так и аксессуары, которые использует персонаж. В качестве отдельных направлений можно выделить дизайн автомобилей и дизайн оружия.

Иллюстрация — самостоятельное законченное произведение со своим сюжетом и продуманной композицией, как правило, достаточно детализированное и сложное. Иллюстрации можно встретить в рекламе, в журналах, книгах, на загрузочных экранах внутри игры, на картах для игр типа hearthstone и так далее. Для иллюстрации важны технические навыки рисования: понимание анатомии, перспективы, света, цвета, композиции, а дизайн отходит на второй план. Иллюстрацию часто путают с концепт артом и об этом как раз есть одна информативная и полезная статья, а может и не столь полезная и не очень информативная. Надо?

Сториборд или раскадровка — серия рисунков, покадрово представляющих то, как будет выглядеть будущий фильм, мультфильм или комикс. Художник-раскадровщик должен понимать, с помощью какого положения камеры лучше показать тот или иной момент повествования, когда лучше снять лицо главного героя с близкого расстояния, а когда лучше сделать эпичный кадр снизу вверх, чтобы передать правильную эмоцию. Для того, чтобы сделать хорошую раскадровку, нужно продумать историю и, как правило, к моменту рисования сториборда уже должен быть готов сценарий, который можно визуализировать.

Еще одно направление тесно связанное с анимационной индустрией — разработка цветовых ключей. Художник берет несколько ключевых кадров и продумывает для них освещение и цвет так, чтобы это максимально соответствовало эмоциональному настроению повествования. Затем результаты его работы используются в дальнейшем производстве.

Это довольно специфическое направление ввиду того, что на создание даже небольшого анимационного ролика, как правило, уходит очень много времени, но если вы кропотливый и усидчивый, у вас есть история, которую вы хотите рассказать и вам нравится смотреть, как оживают нарисованные вами персонажи, возможно, вам будет интересно попробовать свои силы в 2d анимации. Здесь необходимы хорошие знания анатомии, понимание того, как двигается человеческое тело, как меняется лицо, когда человек испытывает радость, грусть и другие эмоции. Возможно, вам также придется рисовать фоны, тогда без знаний о перспективе не обойтись. Если вы захотите создать свою собственную анимационную историю, не лишним будет умение делать раскадровки. Помимо этого, вам, скорее всего придется изучить несколько программ для анимации, хотя при большом желании можно обойтись функциями фотошопа.

ссылка на гифку

Пример классической анимации от Disney

Комиксы

Еще одно интересное направление для цифровых художников — рисование комиксов. В крупных компаниях, специализирующихся на выпуске комиксов, как правило есть разделения среди художников: первый делает эскизы и раскадровки, следующий художник добавляет контур (лайн), колорист раскрашивает рисунок, еще один человек рисует обложку. У каждого типа работы есть свои особенности, и если колорист может проявлять больше креативности при наложении цвета, то контуровщик выполняет более монотонную задачу, исправляя по ходу рисования первоначальный набросок и предавая ему более законченный вид. Если вы решились заняться созданием комикса самостоятельно, то имейте в виду, что вам пригодится приличный объем навыков, начиная от умения создавать раскадровки и подбирать шрифты, заканчивая знаниями анатомии, перспективы, освещения и цвета.

Близкое к комиксам направление, предполагающее создание истории в форме интерактивного романа. Художники, создающие визуальные новеллы, занимаются отрисовкой персонажей и/или фонов. Персонажи, как правило, находятся в статичных позах, и по ходу игры меняются только выражения лиц у действующих героев. Что касается фонов, они тоже не отличаются излишней динамикой: для новелл используется простая одноточечная или двуточечная перспектива без сложных ракурсов.

В отдельную категорию можно выделить создание контента для казуальных игр, ведь у этого направления есть свои особенности и художнику необходимы определенные навыки, чтобы быть успешным в этой сфере. Казуальный стиль рисунка отличается яркими цветами и мультяшной стилизацией, часто игровые объекты рисуются в изометрической проекции. Как правило, казуальный художник должен уметь рисовать все понемногу: персонажей, окружения, пропсы, иконки, иногда интерфейс. В отечественном геймдеве на настоящий момент является наиболее востребованным направлением, и большинство компаний ищут в качестве сотрудников художников, умеющих работать в казуальной стилистике.

Как нарисовать куб с любого ракурса. Основы линейной перспективы (часть 1)

С одной стороны - очередной пост про основы. Казалось бы сколько можно? Бесконечно!
С другой стороны - новички прибывают (хотя бы вот человек стремиться, но никак не возьмется за базу), да и это, так сказать, новый взгляд, ну или новая интерпретация, подача, старого материала.
____________________________________________________________________________
Текст переведен специально для групп Digital Painting Classes и Smirnov School. По материалам ресурса How to sketch. Перевела Валерия Шмырова.

Знаете что? Кубы потрясающие!

Серьёзно, если вы знаете, как нарисовать куб, вы сможете набросать любую трехмерную форму. Конечно, у каждого объекта, который вы выберете, есть свои нюансы. Однако базовые принципы, основы основ рисования, остаются всё те же.

Они все в этой коробке.

Давайте их вытащим.

Это не одно из пошаговых руководств, каких тысячи в интернете. Моя цель — дать вам набор навыков, позволяющий рисовать что угодно. Такой подход будет полезен, если вы хотите заниматься концепт-артом, промышленным дизайном, мультипликацией или рисовать фэнтэзи. Во всех этих направлениях приходится делать эскизы «из головы», опираясь исключительно на воображение. Это значит, что вы должны уметь нарисовать любой объект с любого ракурса. Необходимые для этого знания вы получите из этих уроков. Закрепить их можно, выполняя домашние задания, которые есть после каждого урока.

Сейчас мы рассмотрим основы линейной перспективы на примере куба. Если вы хотите извлечь максимум пользы из этой статьи, пожалуйста, позаботьтесь об отсутствии отвлекающих факторов. Возьмите лист бумаги и ручку, чтобы экспериментировать с идеями, которые мы рассмотрим. Поверьте, одно только чтение вам особо не поможет.

Что такое перспектива?

Перспектива — это система представления трехмерного мира на плоской поверхности.

Не очень сложно, правда?

Поэтому вот вам самая логичная и полезная концепция, которую нужно помнить, когда речь идет о перспективе.

Мы видим куб через кусок плоского стекла. Камера направлена прямо на это стекло.

Стекло здесь — это так называемая картинная плоскость (КП). Линия, проведенная от камеры сквозь КП, называется лучом зрения (ЛЗ). Хочу подчеркнуть, что ЛЗ всегда перпендикулярен КП.

«Ну и какого чёрта ты мне всё это рассказываешь?», — спросите вы.

А вот какого.

Нам нужно знать, как линии нашего объекта расположены в пространстве относительно чего-либо. Положение камеры — наша путеводная звезда. Главная идея заключается в том, что рисовать в перспективе — это значит представлять изображение с определенной точки зрения. Не бывает изображения без зрителя.

Рисуем квадрат

Что такое куб? По сути, он состоит из шести квадратных плоскостей, соединенных вместе. Чтобы нарисовать куб, нам нужно знать, как правильно расположить в пространстве квадрат, во всех без исключения случаях, с любого возможного ракурса.

Здесь нам придется добавить в наш словарь новое заумное слово — нормальная линия или просто нормаль. Если вы поставите карандаш вертикально на стол, он будет совпадать с направлением нормальной линии. Нормаль — это линия, перпендикулярная какой-либо поверхности.

Вот так просто.

У каждой плоскости есть бесконечное количество этих нормальных линий. Для простоты мы нарисуем только одну.

Нормали помогают нам определить, как мы видим поверхность.

Возьмём прямоугольник и расположим его перед камерой. Если нормаль направлена прямо на картинную плоскость (под углом 90 градусов), значит, мы видим поверхность без каких-либо искажений — прямоугольник, как он есть.

А теперь самое важное.

Если мы наклоним наш прямоугольник — в любом направлении — нормальная линия больше не будет перпендикулярна картинной плоскости. Поверхность прямоугольника сожмётся.

Как определить направление сжатия? Нам подскажет нормальная линия.

Этот принцип называется сжатие по нормали.

Каждая плоскость сжимается только по своей нормальной линии.

Мы видим, что пропорции плоскости изменились. Она сузилась, так как сжалась по нормальной линии.

Так происходит всегда.

Нет другого способа уменьшить плоскость. Только по ее нормали. Чем сильнее плоскость наклоняется по отношению к камере, тем больше она сжимается по своей нормальной линии. Я буду повторять эту мысль снова и снова, потому что это очень важно. Такие простые вещи, как правило, забываются, когда дело доходит до рисования.

Конвергенция (сближение) параллельных линий

Рассмотрим еще одно явление. Может быть, вы заметили, что в приведенном выше примере левый и правый края прямоугольника сужаются к верху (с точки зрения камеры). Так получается потому, что это параллельные линии, которые уходят вдаль (относительно картинной плоскости). А вот линии, параллельные КП, никогда не сходятся.

Звучит сложно? Ну, так и должно быть. Учить новые вещи не может быть легко.

Я помню свои первые шаги в рисовании — это был чертов ад. Со временем станет легче, обещаю.

Что такое на самом деле линия горизонта?

Где сходятся параллельные линии, которые уходят вдаль? Я уверен, вы это знаете — на линии горизонта. Это пишут в каждой книге по искусству. Поколение за поколением. Эта истина так широко известна и непреложна, что авторы никогда не пересматривают ее обоснование.

А мы пересмотрим.

Мы подразумеваем, что наша камера стоит строго вертикально, то есть ее дно параллельно плоскости земли.

Представим себе не один, а несколько горизонтальных прямоугольников перед камерой. По мере того, как эти плоскости всё выше поднимаются над землёй, они всё сильнее сжимаются.

У горизонтальной плоскости всегда вертикальная нормальная линия. Поэтому любая горизонтальная поверхность сжимается по вертикальной линии.

Когда плоскость сжимается до конца, она превращается в линию. Так как сжатие происходило по вертикали, эта линия горизонтальная.

Это наша линия горизонта.

Если мы мысленно продлим горизонтальную плоскость, и увидим, что она рассекает объектив камеры пополам, прямо по центру — значит, эта плоскость сжата до нуля. Это горизонт.

Параллельные линии, расположенные на горизонтальных плоскостях (на любой из них) сходятся на линии горизонта. Точки, в которых они сходятся, называются точками схода (ТС).

Как видите, у каждого набора параллельных линий есть своя собственная ТС. Для перспективы типично наличие центральной (ЦТС), левой (ЛТС) и правой (ПТС) точек схода.

Эллипсы (овалы)

Я не сказал, что плоскость должна быть только прямоугольной формы.

Почему не сказал?

Потому что она может быть любой формы.

Просто представьте её в виде плоского листа бумаги. Из него можно вырезать любую форму. Например, мы можем взять плоскость в форме круга. Поместив её в пространство, мы получим…

Да! Овал.

Здесь я предполагаю, что вы читали мою статью о работе с основными линиями. Если нет, можете сделать это сейчас. Потому что там изложены основы, которые нам понадобятся.

У плоскости, обрезанной в форме круга, тоже есть нормальная линия, и она тоже перпендикулярна поверхности плоскости.

Вот вам маленькая хитрость по поводу овалов.

Нормальная линия плоскости эллипса всегда совпадает по направлению с его малой осью.

Принцип тот же, что и в случае с прямоугольниками.

Но.

У круга всегда одинаковый диаметр, в каком бы направлении мы его не провели. Но после сжатия (даже малейшего), круг превращается в овал, и у него появляется самый длинный и самый короткий диаметр.

Самый длинный диаметр — это большая ось эллипса. Она не меняет свою длину, как бы сильно мы ни наклоняли плоскость.

Самый короткий диаметр — это малая ось эллипса. Она перпендикулярна большой оси, а направление у нее такое же, как у нормальной линии. Длина малой оси меняется сильнее всего, когда мы наклоняемся плоскость по отношению к камере.

Степень сжатия эллипса обусловлена углом наклона эллипса.

Если нормаль поверхности круга направлена к картинной плоскости под углом 90 градусов, то камера видит полностью открытый круг.

Если нормаль направлена к КП под углом 45 градусов, то получившийся овал называется «45-градусный эллипс». Чем меньше градус наклона, тем больше сжатие плоскости.

Эллипсы — ваши спасатели

Мы будем использовать эллипсы даже в тех случаях, когда на нашем рисунке нет видимых круглых плоскостей.

Зачем?

Это дает несколько больших преимуществ.

Эллипс помогает определить направление нормальной линии поверхности.

Благодаря этому вы поймете, в каком направлении сжимать плоскость, когда она наклонена по отношению к зрителю.

Сильнее наклон = сильнее сжатие.

Есть кое-что, о чём я молчал до последнего, надеясь, что вы сами заметили. Я считаю, самые глубокие знания добываются из собственного опыта. Вы должны бороться за них. Вы должны быть смелыми и любопытными. Другого пути нет.

Итак, о чем, по моему мнению, вы должны были догадаться?

Эллипс поможет вам найти пропорции идеального квадрата.

Круг, вписанный в квадрат, касается каждой из четырех сторон точно посередине. Круг в перспективе (эллипс) делает абсолютно то же самое.

Мы видим, что каждый эллипс касается сторон квадрата по центру.

Так происходит всегда.

Куб состоит из идеальных квадратов. Знать, как правильно построить квадрат, очень важно для нашей конечной цели — нарисовать куб.

Эта статья может показаться несоразмерно длинной, если сравнивать с конечным результатом. «Нарисовать куб? Серьёзно? Но это должно быть так просто... Почему я должен тратить свое время на чтение всей этой ерунды?»

Спокойствие, только спокойствие.

Я обещаю, что материал, который мы изучаем, скоро поможет вам рисовать такие классные вещи, как танки, драконы, роботы и т. д. Конечно, если вам это действительно интересно.

Угол в 90 градусов

Помимо пропорций квадрата, нам нужно убедиться, что он имеет четыре прямых угла (по 90 градусов). Нам надо правильно построить хотя бы один угол. Три остальных встанут на свои места.

И здесь эллипс снова ваш спаситель.

Он поможет вам построить правильный угол в 90 градусов между двумя линиями на одной плоскости. Сейчас мы нарисуем правильный угол на плоскости земли.

Давайте определим пропорции квадрата с заданного ракурса, используя эллипс.

Проведем нормальную линию (она здесь вертикальная, потому что плоскость горизонтальная). Её можно проводить в разных местах — в зависимости от того, как мы хотим развернуть к себе угол будущего квадрата.

Если вы хотите, чтобы угол был направлен прямо на зрителя, нормаль должна проходить через середину эллипса. Затем проведите к эллипсу две касательных из точки на полученной вертикальной линии. Это обеспечит равномерное сжатие левой и правой сторон (обе на 45 градусов) нашего квадрата.

Если вы хотите повернуть угол квадрата по часовой стрелке, сдвиньте нормаль влево.

Чтобы повернуть его против часовой стрелки, используйте тот же принцип и сдвиньте вправо.

Как далеко нормаль должна выходить за пределы эллипса до той точки, где она пересекается с касательными?

Это зависит от угла наклона эллипса. Чем меньше его наклон по отношению к камере, тем длиннее линия. Это придёт с практикой. Просто будьте внимательны, чтобы эллипс касался сторон квадрата точно посередине.

Есть несколько способов завершить построение квадрата в любом возможном положении. Это зависит от того, насколько сильное перспективное искажение вам нужно.

Чем ближе линия горизонта к эллипсу (с учётом его размера), тем сильнее перспективное искажение. Тогда линии сходятся быстро, и это значит, что объект находится близко к зрителю, или он большой. Изображение выглядит так, как будто оно снято через широкоугольный объектив.

Если линия горизонта находится далеко от эллипса, перспективное искажение будет слабым. Линии сходятся медленно, объект кажется маленьким или находится далеко от зрителя.

Это эффект длиннофокусного объектива.

Здесь видно, что вертикальная линия в обоих случаях выходит за пределы эллипса на одно и то же расстояние. Нижний угол квадрата одинаковый. Разница только в силе перспективы. И ещё раз: линия горизонта перпендикулярна нормали эллипса (малой оси).

Горизонт — это по сути ещё одна плоскость, параллельная нашему эллипсу. Просто она полностью наклонена по отношению к зрителю.

Рисуем куб (наконец-то)

У куба шесть граней, но одновременно мы можем увидеть лишь три из них. Так что, простоты ради, мы сосредоточимся только на видимых сторонах (пока). Вы уже знаете, как изобразить горизонтальный квадрат в любом возможном положении.

Это будет верхняя грань нашего куба.

Что остаётся? Ещё две боковые грани. У нас есть вертикально расположенные рёбра куба — это нормальные линии к верхней плоскости.

Чего мы не знаем, так это длины вертикального ребра. Оно параллельно картинной плоскости, поэтому его перспективное сокращение не может быть таким уж сильным. Ребро становится длиннее, когда перемещается ближе к нам в пространстве (как и любой другой объект), в соответствии с конвергенцией линий. Итак, мы предполагаем, что оно немного длиннее, чем большая ось нашего верхнего эллипса, на которую тоже не действует перспективное сокращение.

Есть одна хитрость, чтобы проверить, правильно ли мы построили боковые грани.

Сможете угадать, что это?

Да, это эллипс.

Давайте нарисуем эллипс, малая ось которого направлена в правую точку схода. Эллипс должен касаться рёбер куба посередине. Попробуем представить этот эллипс между линиями, визуализировать его. Затем мы просто закрываем снизу левую грань с помощью линии, идущей к левой точке схода. А потом закрываем правую грань линией, которая идёт к правой точке схода.

Наш куб готов.

Ускорение сжатия

Теперь у нас есть куб. Но вы можете задаться вопросом: как поворачивать его в пространстве, как наклонять? Это хороший вопрос. Мне нравится, когда вы задаёте интересные вопросы! 

Чтобы решить эту проблему, нам нужно иметь представление об ускорении сжатия. Согласно этому принципу, сжатие плоскости не линейно. Другими словами, сжатие прогрессирует все быстрее и быстрее по мере увеличения наклона плоскости относительно камеры.

Давайте поставим куб на землю таким образом, чтобы обе боковые грани находились под углом 45 градусов к картинной плоскости.

Теперь повернем куб по часовой стрелке. Он всё ещё стоит на земле.

Вы видите, что левая грань изменяется сильнее, чем правая — как в абсолютных, так и в относительных значениях.

Чем сильнее степень сжатия плоскости (или линии), тем быстрее оно прогрессирует.

Даже небольшой поворот полностью сжатой линии резко меняет ее длину. Когда она открывается взгляду все больше и больше, скорость раскрытия уменьшается.

Нормальные линии ведут себя точно так же. Когда они параллельны картинной плоскости, их трудно сжать. По мере того, как они наклоняются по отношению к зрителю, это становится все легче и легче.

Как нарисовать куб под любым углом зрения за пять шагов?

Время пришло.

Приношу свои извинения за длинную прелюдию. Все эти вещи совершенно необходимы, и не только для того, чтобы нарисовать куб. Вы оцените этот материал, когда перейдете к изучению более сложных тем.

Итак, давайте это сделаем!

Домашнее задание

Пора закрепить ваши знания!

Сделайте это, даже если вы считаете, что уже поняли, как нарисовать куб под любым углом.

Практика — это путь к совершенству, а? Но обязательно должна быть и крепкая база знаний.

Я рекомендую прочитать этот урок еще раз после выполнения домашнего задания.

Я тут сделал для вас пример домашнего задания. Можете понаблюдать, как кубы перекрывают друг друга.

Не стесняйтесь играть с разными размерами и углами.

Попробуйте разную силу перспективного искажения. У больших коробок может получиться резкое схождение линий.

Увидимся в следующий раз.