в традиционной славянской одежде

Является ли книжный Ведьмак славянским фэнтези?

Всем привет. Я и мой друг недавно задались вопросом, книжный Ведьмак - славянское фэнтези, или же нет? Мы порылись в польских первоисточниках и на основе полученной нами информации, родился данный опус.

Думаю, для лучшего понимания ситуации, стоит начать с того, что читатели в Польше очень придирчивы к языку произведений. Если в книгах персонажи не будут называть себя панами и через слово поминать ясную холеру, матку боску и курву мач, даже если действие происходит в сёгунатной Японии или доколумбовой Америке, то поляки просто не будут их читать. Это называется полонизация и она очень сильная.

Далее. Есть польский перевод Властелина колец госпожи Скибневской. Исходя из предыдущего пункта, он был очень сильно переделан под польского читателя. Драконы в нём стали - смоками (цмоками), дварфы (которых у нас перевели как гномов, что тоже не верно) стали - краснолюдами, а хоббиты - низушками. Всё с лёгкой руки Скибневской. То же касается всей стилистики произведения и монструма Толкина.
«Например, слово Krasnolud - было специально придумано Мартой. Точнее не придумано, а заимствованно от Krasnoludek - что-то типа домового в польском монструме.
А Низушек на польском - Niziołek, что дословно переводится как Полурослик»

Сапковский, как и многие писатели того времени, создавая свой мир основывался именно на Властелине колец, на польском переводе Властелина колец (и говоря это, я не имею ввиду, что он копировал его или брал за основу). Том самом, с краснолюдами и низушками. И очень многие названия он позаимствовал из него. И он не мог сделать иначе, ведь "дварфы" польскому читателю не знакомы, а краснолюды и низушки уже знакомы, и у читателей есть чёткий образ того, о чём они читают.

И последний пункт, завершающий эту длинную цепочку, подводящую нас к пониманию того, почему же Ведьмака многие считают "славянским" фэнтези.
Переводом Ведьмака на русский язык занимался Евгений Вайсброт, который, к сожалению, был незнаком с условностями фэнтези, и, в частности, польских переводов фэнтези. И решил оставить все полонизмы произведения такими, какие они есть. Оттуда эльфки, вместо эльфийки, краснолюды вместо дварфов, низушки вместо хоббитов, и т.д. И странно что он вместо Золотого Дракона не оставил Золотого Цмока, а ведь с него бы сталось. По хорошему, ему бы следовало располячить всех этих персонажей, но он этого не сделал. И получили мы Ведьмака с панами, курвами, халерами, мэтрами и кметами.
(Так же Евгений Павлович имеет грамоту «За пропаганду польской фантастики»)

Так же хочу заметить, что сам Сапковский говорил что можно сравнить Северные королевства с древней Британией, а Нильфгаар - с Римом. (В плане книжного военного конфликта Севера и Юга. Как Рим шёл завоеванием на земли варварских бриттов и галлов, так и Нильфгаард идёт войной на Северные Королевства. И не зря же Нильфы говорят - «Варвары с Севера») А весь остальной мир был выдуман от и до:
«В «Ведьмаке», при желании, также можно провести некоторые исторические параллели: даже сам Сапковский представлял Нильфгаард как свою версию Рима, а Северные королевства — землями галлов и бриттов. Однако на вопросы о прототипах героев и событий саги он отвечает однозначно: всё выдумано, от первой до последней буквы.»

Сказки, которые Сапковский переписывал для первых рассказов тоже не были "славянскими". Лишь самую первую историю он взял из польской сказки о сыне сапожника победившего дракона... Правда в процессе написания от начальной истории не осталось ровным счётом ничего - Сын сапожника стал профессиональным убийцей чудовищ, дракон - заколдованной принцессой, превращённой в стрыгу и её требовалось не убить, а расколдовать.

Параллели сказок, которые можно провести - Крупица истины – Красавица и чудовище; Меньшее зло – Белоснежка и семь гномов; Осколок льда – Снежная королева; Немного жертвенности – Русалочка. В последних книгах явно просматривается «Легенда о Короле Артуре».

И пробежимся по бестиарию Ведьмака:
Альпа - германская мифология
Агуара - японская мифология
Беанн’ши или баньши - ирландская мифология
Барбегаз - швейцарский и французский фольклор
Брукса - Бруха, португальский фольклор
Веспертил - аж римский фольклор
Виверна - весь средневековый бестиарий. Сам пан даже отметился тем, что полонизировал это слово:
«Это, конечно, вымысел и неологизм, но не лишённый смысла. В соответствии с некоторыми теориями, wyvern выводится из латинского «vipera» (змея), название же змеи идёт от её предполагаемого живорождения (vivipara, хотя есть и другая этимология, см. Гадюка). Отсюда взялась и моя виверна — опирающаяся на корень «vivi…» и, как и змея, — женского рода. В польских переводах фэнтези и бестиариях ролевых игр неизменно фигурирует английский «wyvern» (произносится — уайверн), хоть в других случаях рольплейенговых текстов переводчики не раз щеголяли стремлением название полонизировать. Может, кто-нибудь наконец решится взять на вооружение мою виверну? У меня на неё авторских прав не меньше, чем у Толкина на орка, но — обещаю — я не стану им (правом) чрезмерно размахивать.»
Вилохвост - прототипа в реальной мифологии мне найти не удалось, может быть кто-то другой сможет это сделать. Вероятнее всего был создан самим паном на основе Виверны.
Вихт - Ве́тте, германо-скандинавская мифология
Волколак, Оборотень, Ликантроп - существует практически во всех культурах, но облик и повадки классических оборотней, которых мы видим повсеместно, был создан на основе французской легенды о Жеводанском Звере
Гуль - арабская, персидская и тюркская мифология
Муля - цыганская мифология
Наккер - Ноккер (названия в книгах не упоминаются, но именно они нападают на Геральта во второй книге), валлийский, корнский и девонскогий фольклор

Я не стал перечислять весь бестиарий, суть вы уловили, легче перечислить действительно славянских чудовищ:
Утопец - славянский дух воды
Стрыга - в западно-славянская и карпато-балканская мифология
Леший - славянская мифология
Кикимора - славянская мифология
Яга - славянская мифология
И интересная ситуация с монстром под названием Кощей. В оригинальном тексте имеется слово Kościej, которое буквально переводится как «кости». Но в некоторых переводах название данного существа перевели как «Костец», а в других же взяли исходное слово без перевода, что может привести к путанице, ведь в книге Сапковского Кощей описан как искусственное создание, не встречающееся в природе, оно появляется только тогда, когда его создаст могущественный чародей. Не очень то похоже на известного нам славянского Кощея? Итого, даже если Сапковский использует существ из славянского фольклора, он целиком и полностью их меняет под свои нужды

Всё же Ведьмака нельзя считать чисто славянским фэнтези. "Налёт славянности" слишком мал, и очень сильно обусловлен неправильным переводом книг. Вероятнее всего, если бы цикл переводил другой человек, то мы бы увидели "обычное" фэнтези, по типу Властелина Колец. Спасибо за внимание.

История матрешки.

Кажется, что история матрешки насчитывает много веков: слишком уж хорошо разборная кукла вписывается в представление об исконно русском быте. На самом же деле игрушка появилась на исходе XIX века в одной из московских мастерских. Прототипом матрешки, кстати, стала традиционная японская кукла.

Создателем матрешки был художник Сергей Малютин, апологет стиля a la russe в искусстве. Произошло «рождение» главного русского сувенира в начале 1890-х годов в московской игрушечной мастерской «Детское воспитание». Кукла настолько удачно ассимилировалась со старинными крестьянскими игрушками, что всего через несколько десятилетий в сознании людей прочно закрепился миф, будто с матрешками играли еще при царе Горохе. 

Более того, прототипом матрешки стала японская традиционная кукла. Диковинную вещицу, внутри которой было еще шесть куколок поменьше, привезла из Японии супруга Саввы Мамонтова Елизавета. Вся эта сложносочиненная игрушка символизировала «семь богов счастья». Малютин, увидев этот заморский сувенир, решил переработать его на отечественный лад. 

Первый набор вкладывающихся друг в друга кукол состоял из восьми предметов. Все куклы были расписаны по-разному: среди них встречались как девочки, так и мальчики, а самая маленькая олицетворяла младенца в пеленках. Старшая же «сестрица» держала в руках черного петуха. Этот набор, расписанный Малютиным, сейчас хранится в Музее игрушки в Сергиевом Посаде. 

В 1900 году матрешка была представлена на Всемирной выставке в Париже. Мода на матрешек после этого охватила не только Россию, но и Европу, где «русский стиль» в ту пору был популярен как в искусстве, так и в интерьере и одежде. 

Сергиев Посад стал одним из первых крупных центров матрешечного производства. Другими значимыми производителями стали город Семенов Нижегородской губернии и село Полхов-Майдан. При этом знатоки на глаз могли определить, где изготовлена матрешка: сергиевские куклы казались более сбитыми и приземистыми по сравнению с семеновскими. Вскоре матрешечное производство вышло далеко за пределы России: в Германии, например, начали производить подделки, выдавая их за настоящих русских матрешек.

Наиболее распространенным типом матрешки является игрушка из пяти кукол, однако все зависит лишь от фантазии и мастерства ремесленника. Рекорд был поставлен в 1913 году: на свет появилась матрешка из 48 фигурок.

Механический турок: Как одурачить Наполеона и весь мир

  На протяжении долгого времени шахматный автомат под названием «Турок» привлекал к себе толпы народа по всей Европе и США. На самом деле предполагаемый робот, обыгрывающий посетителей на выставках, был грандиозным обманом. Но автомат был настолько изобретательно сконструирован, что ему удавалось дурачить публику на протяжении долгих 80 лет.

  Перед тем как его загадка была раскрыта, он смог обыграть таких влиятельных любителей шахмат, как Наполеон Бонапарт и Бенджамин Франклин.

 «Турок» сидел, поджав ноги, перед ящиком 120 ? 180 см, на котором лежала шахматная доска. Внутри помещалась сложная система колес и рычагов, а в выдвижном ящике — комплект шахматных фигур. Перед началом сеанса Кемпелен раздевал «турка», давая возможность зрителям убедиться, что это механическая кукла. Открывал одну за другой дверцы ящика, показывая, что там только рычаги и колеса. Потом «турок» сражался в шахматы с любым из зрителей. Он разыгрывал самые сложные комбинации и всегда выигрывал. Собрание пятидесяти партий, сыгранных автоматом, было издано в Лондоне в 1820 г.

  В начале 1826 года известный в Европе «шахматный мастер» прибыл в Нью-Йорк с дебютом. Мероприятие по представлению автомата было широко разрекламировано. Тысячи людей узнали о прибытии умной диковинки из газетных статей и рекламы. Нет ничего необычного в том, что первая выставка, проходившая на Бродвее в гостинице National Hotel, не смогла вместить всех желающих. Там было только 200 посетителей. К их великой радости в зале было два хороших гроссмейстера. Публика была наслышана о непобедимости автомата, объездившего уже все самые крупные страны Европы. Однако американские гроссмейстеры не оправдали ожидания толпы. Они на редкость легко сдались на милость победителя.

  В Америке ажиотаж публики поддерживали все крупнейшие издания страны. Они размещали информацию о непобедимом гроссмейстере на первых полосах. И каждый раз в залах набивалось все больше зевак в надежде на то, что хотя бы одному человеку посчастливится выиграть. У передовых умов того времени возникал логичный вопрос: каким образом механическому роботу удается все время оставаться непобедимым? Всем казалось, что Турок способен рассуждать. А иначе как объяснить его интеллектуальные способности в битве с самыми сильными гроссмейстерами своего времени? Никто не станет отрицать, что шахматы – это самая сложная интеллектуальная игра.

  Этот хитроумный автомат смог пережить нескольких хозяев. Впервые Турок был представлен ко двору австро-венгерской императрицы Марии-Терезы в 1769 году. Изобретателем сего чуда является австрийский барон Вольфганг фон Кемпелен. Этот человек не слыл шарлатаном, он заслужил себе при дворе честное имя изобретателя. Но он всегда мечтал поразить воображение императрицы и поклялся ей сконструировать автомат, который превзойдет по зрелищности все, что только было придумано человеком до сих пор. Для того чтобы работа над проектом не прерывалась на другие насущные дела, Мария-Тереза предоставила изобретателю длительный отпуск.

  Его детище являлось ничем иным, как манекеном в натуральную человеческую величину. Робот всегда сидел за большим деревянным шкафом. Внутренности механизма напоминали внутренности часов, с множеством кривошипов и рычагов. Сам манекен был одет в красочные турецкие одежды, на голове у него был традиционный тюрбан, а в руке трубка. Именно из-за этого оригинального образа автомат и получил название Турок.

  Вольфганг фон Кепелен вернулся ко двору шесть месяцев спустя. Первое выступление турка состоялось в 1770 году перед Марией-Терезой и группой придворных особ. Все присутствующие наблюдали, как изобретатель выкатил манекена, помещенного на шкаф высотой 1,2 метра. А далее начинался акт, который будет повторяться впредь бесчисленное количество раз: Кемпелен открывал дверцы шкафа, дабы все собравшиеся убедились, что внутри не сидит человек. Присутствующие прекрасно видели внутренний механизм устройства. Они были спокойны. Все чисто, никакого обмана. После того как к автомату вызывался первый доброволец, изобретатель подходил к механизму и крутил рукоятку. Турок оживал и медленно поворачивал свою механическую голову из стороны в сторону. Затем он протягивал руку, брал пешку и делал первый ход в игре.

  Турок произвел настоящую сенсацию, и не только при дворе императрицы. Публика была в замешательстве. Люди не знали, как на это реагировать. Некоторые тут же поспешили выдвинуть свои версии. Среди догадок наиболее часто повторялись две: контроль механизма с помощью магнитов и участие юного вундеркинда, спрятавшегося внутри манекена. Впрочем, это мог быть и карлик. Люди прекрасно понимали, что спрятаться внутри манекена обычному человеку было невозможно. Любопытно, что на каждого скептика находился человек, который считал Турка технологическим чудом. Один из наблюдателей так описывал творение барона фон Кемпелена: «Невозможно достичь более совершенного знания механики, чем у этого господина».

  Совсем скоро Марии-Терезе надоела никогда не проигрывающая игрушка. Однако в 1783 году ее приемник, император Иосиф II, вновь возродил интерес к Турку. Он заставил отправить игровой автомат в турне по Европе. В Париже хитроумная машина сразилась с Бенджамином Франклином, тогдашним американским послом во Франции. Затем Турок побывал в Англии, Германии и Нидерландах.

  В феврале 1784 г. на лондонских прилавках появилась брошюра «Разоблачение и объяснение автоматического шахматиста». Неизвестный автор писал: «Автомат — самодвижущееся устройство, принцип которого заключен в нем самом. Этот же «шахматист» представляет собой совсем иное, и называть его автоматом — подделка, фальшь. Она заслуживает публичного разоблачения особенно потому, Что высокая входная плата — 5 шиллингов — побуждает зрителя поверить, что движения «шахматиста» действительно осуществляются с помощью механических сил, в то время как на самом деле иллюзия поддерживается неизвестным сообщником. Сундук, в котором якобы заключен механизм, достаточно велик, чтобы скрыть ребенка 10–12 или даже 14 лет. Я, например, имею детей только такого возраста, они достаточно хорошо играют в шахматы…».

  Затем автор высказал мысль, что автомат демонстрируется только в течение часа, поскольку спрятанный человек не в состоянии выдержать взаперти дольше, что ходы на доске автомата он видит через зеркало в потолке. А в заключение описывался случай, как кто-то подбросил на стол табакерку с нюхательным табаком — и «турок» чихнул.

  В 1804 году Кемпелен умер, и его детище было куплено немецким изобретателем и шоуменом Иоганном Мельцелем. Это было неплохое вложение капитала, ведь предприимчивый немец гастролировал с Турком всю оставшуюся жизнь. И везде собирал аншлаги. Мельцель привнес в игровой автомат еще немного лоска. Он снабдил турка голосовым механизмом, который при угрозе королю соперника произносил слово «Шах!». Это еще более изумляло публику. В 1809 году был организован шахматный поединок между Турком и императором Наполеоном Бонапартом. По сообщениям очевидцев, французский государь пытался подтасовывать ходы, но каждый раз Турок укоризненно качал головой и возвращал фигуру на законное место.

  Во время американских гастролей игрового автомата на один из бенефисов Турка пришел молодой писатель Эдгар Алан По. Позже автор издал разоблачительное эссе, где утверждал, что внутри механизма прячется человек, управляющий ходом игры: «Я в этом абсолютно уверен. Все ходы автомата управляются человеческим разумом». Эдгар По был далеко не первым скептиком. С момента изобретения Турка еще в 80-х годах 18 века прогрессивные умы Европы написали несколько брошюр и разоблачений. Интеллектуалы были уверены в том, что машина не может играть по своей собственной воле. Среди самых известных скептиков кроме Эдгара По можно назвать британского писателя Роберта Уиллиса, который утверждал, что гроссмейстер прятался внутри шкафа и контролировал игру с помощью системы рычагов.

  И все же критики были правы насчет гроссмейстера, который управлял процессом, сидя в шкафу. В действительности все внутренние механизмы шкафа не функционировали. Они выставлялись напоказ для публики и занимали лишь часть ящика. Внутри оставалось достаточно места для того, чтобы туда мог поместиться человек. У основания фигур, расположенных на шахматной доске, были закреплены магниты. Внутри под каждым квадратом размещался металлический шарик, висящий на нити. «Теневой» гроссмейстер не мог видеть хода поединка. Он понимал о том, куда перемещает фигуры противник тогда, когда видел перед собой провисающий шарик. Ответные ходы он делал с помощью системы рычагов. Ими же он приводил в действие руки и голову манекена.

  Разумеется, внутри шкафа должен был сидеть настоящий эксперт в шахматах. За долгое время внутри механизма побывали многие опытные игроки. Ну а во время американского турне Мельцель пользовался услугами европейского гроссмейстера Уильяма Шлюмбергера, который выдавал себя за личного секретаря изобретателя.

  В 1838 году владелец Турка погиб во время морского путешествия из Кубы в США. Так автомат попал в руки одного из кредиторов. В конечном итоге детище барона Кемплена было продано синдикату энтузиастов, заинтересованных в раскрытии правды. Впоследствии Турок был выставлен в качестве экспоната в музее Филадельфии. 5 июля 1854 года 85-летний «шахматист» сгорел во время пожара в здании.

Владимир Зеленский поздравил украинцев с «Днём вышиванки», но на фото он был в русской косоворотке.

После этого в комментариях начался сущий кошмар, сравнить который можно только с комментариями под постами о русском борще.

Реконструкция/стилизация скандинавского рюкзака эпохи викингов

Спадок нації

Історія сорочок у кожного своя. 

Перший документальний фільм про вишиті сорочки. Вишиванка – у кожного вона своя. Але є одна найцінніша для всіх. Вишити, щоб вижити. 

Режисер та оператор – Олександр Ткачук 

Автор ідеї та сценарист – Леся Воронюк

«Возьмите комишн, умоляю, недорого»

Наткнулся на данную статью, думаю будет интересно рисовакам. Призываю дискутировать в комментах. Пост летит в оба тэга - Арт-Клуб и #Каляки-Маляки
Автор Erika-Xero

О неуверенных в себе художниках, творческой дедовщине и токсичных сообществах, задающих тон: почему русскоязычные художники патологически занижают цены, а заказчики все еще считают, что рисование не является работой.

С ценообразованием у российских (и украинских, и белорусских) художников, сколько я себя помню, всегда была особенная ситуация.

В художественном сообществе я постоянно «варилась» года с 2015 и по середину 2017, после чего была вынуждена надолго уйти в подполье, оборвав почти все контакты с товарищами-художниками. Произошло это по многим причинам: скажу только, что решение уйти из всех художественных бесед и тусовок было вполне осознанным. Я больше не могла в них находиться.
Русскоязычное художественное сообщество всегда стояло особняком: в первую очередь, его отличает от общемирового свой, особенный менталитет.
У нас не принято делать что-то в свое удовольствие. И не принято гордиться своими достижениями.

Жизнь у русскоговорящего художника должна быть тяжела и ужасна, наполненная бесконечной неуверенностью, страданиями, страхом перед старшими товарищами по цеху (и весьма оправданным страхом, потому что без дедовщины у нас в сообществе не обходится: многие «старшие» абсолютно уверены в том, что жесткая критика-то стопроценто заставит молодняк «взяться за голову», а молодняк, в свою очередь, боится этой критики до дрожи в коленках), и бесконечной, бесконечной, БЕСКОНЕЧНОЙ прокачки скилла ради прокачки скилла, в которой многие из тех, кого я знала и знаю, практически потеряли себя и свой человеческий облик (например, я сама).

Самообучение и обучение возведены в культ, в котором уже не остается места для того, чтобы делать то, что тебе действительно нравится:среднестатистический российский художник среднего уровня (а говоря о среднем уровне, я имею в виду не средний «по больнице», то есть, социальной сети «вконтакте», а хоть сколько-то приближенный к уровню профессиональных художников) должен постоянно бежать, превозмогать,сомневаться в себе, стараться стать лучше, поэтому почти всегда он находится на грани истерики.

Демонстрация окружающим какуй-то уверенности в себе или довольства собственным уровнем зачастую являет собой практически провокацию.Ты как бы напрашиваешься на то, чтобы на тебя кто-нибудь да налетел с «критикой» — которая, к сожалению, очень часто превращается в банальный поток оскорблений и травлю.

Стоит отметить и то, что в нашем сообществе, где действительно огромное количество потрясающих художников, невероятно талантливых, невероятно умелых, смелых и сильных, практически не котируется ничего, кроме реализма: все то время, что я проводила среди «товарищей по цеху» я слышала довольно оскорбительные высказывания в пользу ребят, занимающихся, к примеру, рисованием в стиле японских художников (аниме) или в стилистике, больше характерной для комиксов. Точка зрения, конечно, в корне неверная: хорошая база нужна везде. Анатомия, перспектива, понимание светотени, работа с эффектами одинаково нужны и тем, кто работает с реалистичным рендером, и тем, кто работает с лайном и плоским цветом, а грамотная и красивая стилизация форм— это отнюдь не просто, но поди объясни это окружающим.

Я это все к чему: абсолютно неудивительно, что большая часть отечественных художников, включая тех, чей уровень уже близок к уровню именитых профессионалов из-за рубежа, патологически занижает цены из-за собственной неуверенности в своих же силах. Токсичная обстановка в сообществе (подумайте только, у нас в том же контакте, есть группы, унижающие начинающих художников и признанных мастеров на постоянной основе, и большая часть нашего недружного сообщества не считает это чем-то ненормальным!), разумеется, способствует

У русскоязычного «покупателя» в свою очередь есть потрясающая убежденность, что рисование — не труд, а всего лишь хобби, поэтому личные сообщения сообществ и самих художников пестрят предложениями вроде «нарисуйте, а мы вам пиар» или «да разве ж это тяжело, вам в удовольствие же только». В сознании у постсоветских граждан никак не может укорениться осознание того, что рисунок — читай: произведение изобразительного искусства — все-таки, является не предметом первой необходимости, а даже наоборот. Предметом роскоши. В итоге, против нас — художников — работает целая система: токсичные сообщества, состоящие в основном из агрессивных школьников и студентов начальных курсов, занимаются травлей, разделяя художников на тех, кто имеет право зарабатывать творчеством, а кто нет (и часто речь идет не об уровне умений художника, порой травле подвергаются те, кто просто «не понравился» администрации этих сообществ). Заказчики считают, что рисование — не работа, а рисунки не являются предметом роскоши. Художники, глядя на все это и боясь негативных отзывов/налетов агрессивных членов сообщества занижают цены, даже не понимая, что этим самым вредят адекватной части сообщества, которая действительно хочет зарабатывать деньги (если вы не знаете, что такое демпинг, то гугл вам в помощь).

— Тань, сделай цены повыше. Не позорься, — говорю я, строго хмурясь. Таня, моя подруга, рисующая очаровательные комиксы, робко правит свой «прайс»: теперь надпись на нем гласит гордое «портрет по грудь — 300 рублей», вместо стоявших там до этого ста пятидесяти.

Мне в свое время очень повезло: те мои товарищи, с кем я все еще поддерживаю периодическое общение несмотря на то, что из всех чатов я давным-давно удалилась, были из адекватной части художественного сообщества. Читай: работающие. Очень быстро наставили меня на путь истинный, за что им огромное спасибо.

В вопросах ценообразования есть два камня преткновения: размеры аудитории (и это может быть реальной проблемой, если вы чувствуете, что вы не в силах активно рассылать свое резюме и откликаться на все объявления) и страх перед тем, что кто-нибудь придет и скажет «Триста рублей за портрет? Да ты охренел!» (надуманная проблема). Очень многое зависит от того, есть ли у вас постоянная работа, НЕ связанная с рисованием. Если есть — пожалуйста, воля ваша, можете и дальше рисовать «полноросты» за двести гривен (по нынешнему курсу — четыреста рублей). А вот если у вас не-творческой работы нет (как у меня), то дальнейший текст, совершенно точно, для вас.

Я не могу дать универсального рецепта, у меня нет волшебной формулы расчёта цен за рисунки. Я не могу дать оценку вашему скиллу (от 1 до 10) и помножить его на потраченное время. Я могу только дать пару советов и рассказать, как и что получается у меня самой.

Есть два способа найти заказчиков:

— Целенаправленно рассылать резюме, ломиться во все возможные конторы, отвечать на объявления, зарегистрировавшись на сайте для фрилансеров — это активный.
— Пассивный: ты просто кидаешь свой прайс в свою галерею и ждешь, когда кто-то откликнется. Но он работает, когда у тебя аудитория побольше: например, для нормального заработка на tumblr вам может понадобиться блог, на который подписано больше полутора тысяч человек. Золотая жила, говорят, лежит на furaffinity: но аудитория там довольно специфичная, к тому же, заработать там можно только либо обладая действительно хорошим уровнем, либо рисуя антропоморфных животных (зачастую, к тому же, работы категории 18+).

Я считаю себя художником среднего уровня. Не начинающим, но и далёким от профессионалов, вроде моего кумира: Мэтта Родса. Поэтому цены, в общем-то, высокие для вконтакте, я выставляю из до боли простых побуждений: выжить в следующем месяце.

— Определитесь, сколько вы хотите получать за вашу работу. Если у вас уже есть аудитория и заказчики, но вы чувствуете, что тратите очень много времени на работу, а денег получаете мало, повышайте цены.

— Внимательно следите за тем, что происходит у западных коллег. Если вы хотите зарабатывать на иностранной аудитории (поверьте, фантастического английского вам для этого не потребуется, возможно, обойдетесь даже гугл-переводчиком), ни в коем случае не занижайте цены. Иностранный потребитель относится к «демпингующим» русским с большим подозрением: особой популярности у аудитории ценник в 5$ за реалистичный портрет вам не принесет (вот странно-то, да?).

— Ориентируйтесь на других авторов, но не русскоязычных. У нас демпингуют почти все, поэтому определяя, сколько стоит мое творчество на мировом рынке, я просмотрела большое количество прайс-листов с иностранных сайтов. Критически осмотрите свое творчество и сравните его с примерами с Девиантарта. Найдите нескольких художников, которые близки вам по стилю, уровню понимания анатомии, перспективы, аккуратности лайна и рендера. Отталкивайтесь от них.

— Рассчитывайте свое время — и рассчитывайте цены, исходя из затрат ваших ресурсов. Тут кроется еще один замечательный способ рассчитать стоимость своей работы: опираться на оплату труда в студиях и фирмах. Например, вполне нормальная ставка для художника моего уровня, работающего в индустрии казуальных игр — это 250 рублей в час. Выделяйте для себя определенную норму — сколько часов требует та или иная работа? Сколько всего вы хотите получить за неделю, месяц? Старайтесь укладываться в эти нормы.

— Не работайте с токсичными заказчиками. И — отказывайтесь от невыгодных предложений. Тут как с замужеством: не надо думать, что Вася Пупкин, предлагающий вам порисовать его персонажей за триста рублей полнорост — последний желающий в вашей жизни.

— Избегайте работы на друзей. Этот пункт может показаться вам странным, но тем не менее, работа с другом в ситуации, когда он — заказчик, а вы — исполнитель, вполне может уничтожить ваши отношения и попортить немало крови. Моя хорошая подруга однажды потратила несколько месяцев на исполнение работы, которую у нее заказал близкий друг. Бесконечный поток правок, бесконечный «вынос мозга», и как итог — копеечная оплата, ведь «по-братски скинь мне, пожалуйста, цену». Ах, да, спустя месяц после окончания работы и после оплаты, он снова принес правки.

— Снижайте прайс для русскоговорящих (НЕ СИЛЬНО!), если не хотите терять эту часть аудитории. У меня есть несколько постоянных заказчиков, готовых мне хорошо заплатить за рисование иллюстраций к их произведениям: однако такие же цены, как я выставила для более платежеспособных иностранцев, эти замечательные люди могут не потянуть (им тоже нужно питаться и платить за квартиру). Да, возможно, в какой-то степени это не вполне этично, но лучше периодически я буду рисовать для кого-то по более низким ценам, чем отрежу огромный пласт собственной аудитории.

— Забудьте про правило «второй персонаж — за полцены»! Я серьезно. Я не шучу. С какой стати второй персонаж должен стоить меньше? Вы потратите на него ровно столько же времени, как и на первого. Все, к чему меня привела эта дурацкая затея, это то, что мне в личку ломились с вопросами в духе «можно ли нарисовать десять персонажей на одном листе, чтоб один за полную цену, а остальные за полцены» (при том, что дело было в мои «темные времена» и речь шла о слоте за сто пятьдесят рублей!).

— Берите дополнительную плату за исправления. Разумеется, на «позднем сроке»: вы нарисовали всю работу, довели до финала, и заказчик внезапно говорит вам, что голову персонажа необходимо перерисовать целиком в другом ракурсе? Пусть платит сверху — полную цену за портрет.

— Помните, персонаж в полный рост за 500 рублей — это мем. Когда я впервые услышала, как об этом шутят мои друзья, я ужасно обиделась: именно столько я тогда и брала. Это были времена, когда я, учась параллельно в университете, несколько месяцев копила себе на новую видеокарту: страшно сказать, сколько работ мне пришлось сделать, и как смехотворна в итоге была скопленная сумма.

— Делайте дополнительный прайс для скетчей. Не сваливайте в кучу реалистичный рендер, наброски, лайнарты и десять видов покраски. Все учесть, конечно, важно, но информация должна быть систематизирована. Мы не хотим, чтоб заказчик сошел с ума, пытаясь разобраться в расценках, правда?

— Берите дополнительную плату за фон. Не понимаю, почему для большинства людей все еще не очевиден тот факт, что бэкграунд стоит определенных денег. Причем, разных: в зависимости от сложности.

— Рисование — такая же работа, как и любая другая. Кроме того, что вы можете перегореть, как старая лампочка. И допускать выгорания никак нельзя.

— Старайтесь ограничивать время, проведенное над листом бумаги или планшетом, стандартным восьмичасовым рабочим днем, и не забывайте делать перерывы — рабочая рука у вас только одна, а глаз, конечно, есть и второй, запасной, но это не сильно спасет, если вдруг что.

— Никто не имеет права говорить вам, что ваши цены слишком высоки, если у вас есть заказчики. Можете возмущаться, но это факт: как бы ни доказывали в арт-сообществе с пеной у рта, что брать сто долларов за работу при определенном уровне чуть ли не аморально, до тех пор, пока у этого художника действительно есть заказчики, молодец тут — он, а не возмущенная толпа.

— Никто не имеет права говорить вам, что ваш уровень недостаточно высок, чтобы брать заказы, если у вас уже сейчас есть заказчики.

— Монетизировать свое творчество можно — и нужно! Мой любимый миф: когда художник начинает работать за деньги, он все, этсамое. Все. Короче — все. Не знаю, что «все», но что все — это прямо вот однозначно. На самом деле в том, чтобы зарабатывать тем, что вам нравится делать, тем, что вы можете — абсолютно нормально, и ваше творчество не становится хуже от того, что вы начинаете получать за него какие-то деньги.

Для тех, кто уже раскрыл рот для того, чтобы раскрыть мне глаза на «истину», крикнув что-то вроде «Эрика, глупая ты женщина, теперь крутаны отожмут у тебя всех заказчиков и все деньги!», или, например «но так у меня никогда не будут заказывать картинки!» у меня есть следующие новости: своим отношением к работе мы вредим всему сообществу. Обесценивая собственный труд, мы обесцениваем творчество в целом, делаем работу художника чем-то неполноценным, недостойным соответствующей оплаты.

Труд художника — это айсберг, и мы, зачастую, видим только верхушку. Потенциальный покупатель, скорее всего, никогда не занимался рисованием сам: он понятия не имеет, какие титанические труды стоят за красивыми картинками, за которые он даже не готов по-человечески заплатить. Он не представляет себе, сколько усилий требуется для создания этих самых красивых картинок (и сколько из них доходит до галереи, а сколько оказывается в мусорном ведре), сколько часов, дней, ночей, месяцев и лет было потрачено на обучение. Мифы о «таланте», когда человек ВНЕЗАПНО оказывается наделен своеобразным даром богов/природы, увы, адекватной оценке творческой работы совершенно не способствуют.

За «красивыми картинками», которые по мнению обывателя появляются по одному клику по волшебной кнопке «сделать красиво», на самом деле стоят годы обучения, мучений, слез, и километры уничтоженных нервных волокон — неужели после этого они не стоят того, чтобы их оценили не только на словах, но еще и финансово?